Los pintores famosos son tantos que he seleccionado para esta lista los que considero son los 10 más conocidos del mundo occidental. Tarea nada fácil, pues su grado de popularidad varía según cada país dependiendo de la importancia que se le dé al artista en el sistema educativo y la difusión de su obra en museos, medios de comunicación y otros canales de la cultura popular.
Foto de Pablo Picasso (1962).Revista Vea y Lea, Argentina.
Picasso
Pablo Picasso (1881-1973), pintor español, es posiblemente el pintor más famoso del mundo y, sin duda, el pintor más famoso del siglo XX. Además de sus méritos artísticos como uno de los líderes del movimiento cubista, han contribuido a su popularidad su alta cotización en el mercado del arte y las historias sobre su turbulenta vida amorosa.
Ejemplos de pinturas famosas de Picasso: Guernica (1937) Las señoritas de Avignon (1907)
'Autorretrato' (1889), Vincent van Gogh. Óleo sobre lienzo, 65 x 54 cm (25.6 x 21.3 in). Musée d'Orsay, París
Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890), pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo, es el pintor favorito por excelencia. Sus fans simpatizan con la interpretación expresiva de los motivos de sus cuadros, sus colores vivos, sus pinceladas sueltas y una historia dramática entre la pasión por el arte, el fracaso comercial y la locura.
Ejemplos de pinturas famosas de Van Gogh: La noche estrellada (1889) Terraza de café por la noche (1888)
Serie: Autorretratos de Vincent van Gogh
Fotografía de Claude Monet (1899). Nadar.
Monet
Claude Monet (1840-1926), pintor francés, es otro de los pintores favoritos de los aficionados a la pintura. Pero además de contar con el favor del público general, cuenta con el respaldo académico por su importancia en la historia del arte como uno de los fundadores del Impresionismo. De hecho, el nombre de este movimiento artístico proviene de su cuadroImpresión, salida del sol (1873).
Ejemplos de pinturas famosas de Monet:
La serie de pinturas de Nenúfares
La serie de pinturas del Portal de la Catedral de Ruan
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Fotografía de Salvador Dalí con ocelote y bastón (1965). Roger Higgins, New York World-Telegram & Sun Collection
Dalí
Salvador Dalí (1904-1989), pintor español, conocido por encarnar el Surrealismo y el Dadaísmo más allá de sus obras. Polifacético, excéntrico y enamorado hasta la médula de Gala. Para muchos el vivo retrato del genio artístico, para otros uno de los artistas más sobrevalorados. Un personaje tan famoso que incluso su bigote fino, largo y rizado ha pasado a la historia.
Ejemplos de pinturas famosas de Dalí: La persistencia de la memoria (1931) El gran masturbador (1929)
Autorretrato de Leonardo da Vinci (h.1510-1515). Dibujo con sanguina sobre papel, 33 x 21 cms. Biblioteca Real de Turín, Italia. Biblioteca Reale di Torino. Biblioteca Real de Turín, Italia.
Da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor italiano y arquetipo del hombre del Renacimiento, humanista de múltiples talentos y visionario. Algunos de sus dibujos y pinturas están entre los más famosos del mundo, pero su popularidad va más allá de sus logros en el ámbito de la práctica artística. Un personaje histórico excepcional, rodeado de un aura de misterio de la que se ha surtido la industria del entretenimiento aumentando su fama.
Ejemplos de pinturas famosas de Da Vinci: Mona Lisa (1503-06) La última cena (1495-97)
Autorretrato (1659), Rembrandt. Óleo sobre lienzo, 64 x 66 cms. Galería Nacional de Arte, Washington D.C., Estados Unidos. Galería Nacional de Arte, Washington D.C., Estados Unidos.
Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), el pintor más famoso del Siglo de Oro holandés. Conocido por sus cuadros históricos, retratos y, en especial, por los autorretratos que pintó desde su juventud en los que se le ve envejecer y la evolución de su técnica pictórica. Es tan popular su dominio en el tratamiento de las luces y las sombras que en los retratos fotográficos se practica la llamada iluminación Rembrandt.
Ejemplos de pinturas famosas de Rembrandt: La ronda de noche (1642) Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)
Retrato de Caravaggio (h. 1621), Ottavio Leoni.Biblioteca Marucelliana, Florencia.
Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), pintor italiano famoso por el naturalismo de sus pinturas sacras y el uso teatral del claroscuro de gran influencia en el desarrollo del Barroco. Pese a que en vida no le faltaron los encargos de pinturas religiosas, fue criticado no solo por la representación tan realista y humana de sus personajes sino por utilizar como modelos mendigos y prostitutas.
Ejemplos de pinturas famosas de Caravaggio: La vocación de San Mateo (h. 1599-1600) Baco (1595)
Francisco Goya y Lucientes, Pintor Estampa Nº 1 de la serie Caprichos Aguafuerte, aguatinta, punta seca y buril. 216 x 152 mm (huella). Francisco de Goya y Lucientes / Museo de Bellas Artes de Bilbao
Goya
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), pintor español considerado como uno de los iniciadores de la estética del Romanticismo y precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX con sus obras maduras. También es famoso por su talento como retratista al representar el aspecto psicológico de sus modelos más allá de su apariencia.
Ejemplos de pinturas famosas de Goya: El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814) Saturno devorando a su hijo (1823)
Fotografía de Pierre-Auguste Renoir (h. 1910), Domac. Biblioteca Nacional de Francia.
Renoir
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), pintor francés y uno de los principales participantes en el desarrollo del Impresionismo. Es famoso por su paleta colorista, vibrante y luminosa, y sus escenas alegres y llenas de vida.
Ejemplos de pinturas famosas de Renoir: Baile en el Moulin de la Galette (1876) Almuerzo de remeros (1881)
Autorretrato (h. 1640), Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 45 x 38 cms. Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, España. Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, España.
Velázquez
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), el pintor más famoso del Siglo de Oro español. Uno de los maestros del Barroco y de la pintura universal, pintor de corte de carrera brillante y modelo de los pintores realistas de las generaciones posteriores. Considerado como uno de los mejores retratistas de la historia del arte.
Ejemplos de pinturas famosas de Velázquez: Las Meninas (1656) La rendición de Breda (1635)
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Si has llegado hasta aquí habrás notado que esta lista con los pintores más famosos del mundo no refleja la variedad en el arte. Son todos ellos hombres europeos blancos que desarrollaron su obra en países dominantes a nivel económico y de gran desarrollo cultural durante su época. Tal vez en unas pocas generaciones más, los libros escolares den una mayor importancia dentro de la historia del arte universal a un grupo de artistas más heterogéneo.
El arte es un medio para expresar sensaciones, ideas y emociones. En Grecia Antigua se distinguieron seis disciplinas dentro del arte: la poesía, la pintura, la música, la escultura, la danza y la arquitectura.
Poesía: del griego crear, forma parte del género literario. En las poesías, las cualidades estéticas del lenguaje cobran mayor protagonismo que el contenido. Abundan las imágenes literarias y los elementos simbólicos, que se expresan por medio de la métrica. Esta está compuesta por el ritmo, las estrofas y versos. La presencia de imágenes literarias como la metáfora, ironía, comparaciones, y otras figuras retóricas exigen una lectura activa para lograr comprenderla.
Las formas más conocidas de poesía son el haiku (de origen japonés), el jintishi (chino), los sonetos (occidente), rondeaus y sestinas (franceses) y las odas (Grecia Antigua).
Pintura: recurre a la utilización de distintas sustancias y pigmentos para realizar representaciones gráficas con el fin de crear un arte visual. Para esto, se vale de la combinación de colores y líneas. En esta disciplina, que es sumamente antigua (previa a la escritura), existen distintos géneros, algunos de ellos son: retratos, naturaleza muerta, desnudo, paisajes, costumbristas, figurativos y autorretrato, entre otros. Algunas de las técnicas que existen son el óleo, tapiz, fresco, aguada, acuarela, vitral y temple.
Música: del griego mousiké, que significa “arte de las musas”, alude al arte de estructurar una combinación coherente de silencios y sonidos, con criterios lógicos y sensibles. En la música, los dos elementos más importantes son el ritmo y el sonido, que aparecen conjuntamente y ordenados por distintas estructuras sonoras y rítmicas. Dependiendo de los instrumentos que se utilicen, se puede hablar de dos formas para dividir a los géneros musicales: instrumentales y vocales. En este último, hay un predominio de la voz, y puede haber o no presencia instrumental. Los géneros instrumentales, en cambio, son creados sólo para instrumentos. Algunos de los géneros que existen son: la ópera, el rock, el pop, la música clásica, blues, jazz, tango, entre tantos.
Escultura: en esta disciplina el escultor moldea figuras voluminosas en madera, barro, piedra o cualquier otro material para expresar así belleza. Dentro de la escultura se habla de dos ramas: la ornamental y la estatuaria. Esta última representa a la figura humana y las concepciones suprasensibles del hombre. La ornamental, en cambio, representa al resto de los seres vivos: plantas y animales.
Danza: en esta disciplina se realizan movimientos corporales rítmicos por medio de los cuales se logra expresar emociones y sentimientos. Puede estar acompañada por música, aunque no es inherente. En la danza, los movimientos corporales se combinan con las nociones rítmicas y el uso del espacio. Además, la mímica y el canto también pueden formar parte de esta disciplina. La coreografía es el conjunto de movimientos predeterminados que guiarán que pasos se seguirán en un determinado baile.
Arquitectura: esta disciplina consiste en la técnica de construir y proyectar estructuras y edificios. Lo que busca es satisfacer necesidades humanas por medio de la alteración del ambiente físico, pero también se realiza con fines meramente estéticos. Algunos de los estilos más reconocidos son la arquitectura gótica, renacentista y barroca.
El arte rupestre es un tipo de arte que se plasma en las rocas, generalmente en el interior de cuevas, grutas, cavernas o abrigos, que forma parte del arte prehistórico. Este es un término empleado en arqueología, y se han localizado muestras de arte rupestre en el mundo. El arte rupestre puede haber sido producido en varios contextos, aunque la mayoría se ha interpretado como el fruto de un ritual.
El máximo representante del arte rupestre son las pinturas rupestres, pero también están lospetroglifos (excavados en la superficie de la roca) y las figuras antropomorfas excavadas en el suelo.
Las muestras más antiguas de arte rupestre datan del paleolítico superior, y se han localizado en Europa, Asia y África. Los arqueólogos consideran que estas piezas tenían un significado mágico y religioso.
El estudio del arte rupestre se desarrolló como una subdisciplina de la arqueología a finales del siglo XIX , especialmente entre los investigadores francófonos que estudiaban el arte rupestre del paleolítico superior localizado en cuevas de Europa occidental. El arte rupestre aún hoy es muy importante en las comunidades indígenas de todo el mundo, que lo consideran un elemento sagrado y de gran significación dentro de su patrimonio cultural.
Terminología de arte rupestre
El término arte rupestre aparece en la literatura científica desde los años 40 del siglo XX. También se ha descrito como grabado en piedra, dibujo sobre piedra, inscripción sobre piedra, pinturas sobre roca, testigos en roca o esculturas en roca.
La característica definitoria del arte rupestre es el hecho de que se localiza en superficies de roca natural, lo que lo diferencia de las obras de arte aplicadas en muros o de la escultura. Hay varias tipologías de arte rupestre . Esto incluye los pictogramas pintados o dibujados sobre la superficies de roca, los petroglifos , grabados o esculpidos sobre la piedra y otras figuras, como los jeroglíficos.
Algunos arqueólogos también consideran que los agujeros y canales en la roca son formas de arte rupestre.
La pintura rupestre
La pintura rupestre es un concepto referido principalmente a la pintura prehistórica , cuando sobre las paredes o los techos de las cuevas , los humanos dibujaban o pintaban los diferentes animales que cazaban ; también pintaban escenas de significado ritual o mágico , como los ritos de la fertilidad . Los materiales que empleaban eran el carbón de leña o de huesos , así como diferentes tipos de tierras de colores , todos ellos aglutinados con agua o grasas de animales.
Las pinturas rupestres más antiguas que se conocen son las de la cueva de Chauvet , en el departamento del Ardèche en Francia. La palabra «rupestre» deriva del latín: « rupes » que equivale a roca, pero también se admite como sinónimo de primitivo.
Esto plantea una cuestión metodológica, ya que debemos referirnos, no sólo en la pintura prehistórica, sino también a cualquier manifestación pictórica, en cualquier época, ya que en sentido estricto rupestre hace referencia a cualquier actividad artística hecha sobre los muros de las cavernas, cuevas, abrigos rocosos e incluso barrancos, etc.
Los hombres prehistóricos, al igual que los primitivos actuales, atribuían un significado y una función mágicos o ritual a las representaciones de sus pinturas. Creían que la representación de un bisonte era una forma de apropiarse del bisonte o que la representación de una mujer con unas tetas enormes aseguraba la fertilidad.
En todo caso, otras interpretaciones sugieren que algunas pinturas rupestres podían tener un significado informativo o instructivo, como es el caso de ciertos dibujos en esbozo , llamados « tectiformes » en la cueva de Font de Gaume en Dordoña (Francia) que pueden ser interpretadas como en trampas de caída para cazar el mamut.
Una pintura rupestre es un tipo de arte rupestre realizado por los hombres prehistóricos, que demuestra que el hombre, desde su origen en la Tierra es capaz de realizar obras de arte en las paredes de las cuevas que habita. También se han encontrado pinturas sobre guijarros, escultura, cerámicas decoradas y objetos ornamentales.
Tipos de arte rupestre
El arte rupestre se puede dividir en dos grandes grupos dependiendo de la técnica empleada para el registro de motivos sobre la roca:
* Pictografías (pinturas rupestres). Una pictografía es un registro gráfico dibujado o pintado sobre una superficie de piedra con pigmentos.
* Petroglifos (grabados rupestres). Un petroglifo es un dibujo grabado en una superficie de piedra mediante el rayado, la erosión o la percusión con un instrumento más duro y resistente que la roca del soporte.
Temas del arte rupestre
Las representaciones más abundantes son de animales, símbolos y seres humanos. Desafortunadamente su significado y utilidad es desconocido, pues de momento no se ha encontrado un código que ayude a interpretar estos registros y las teorías que se barajan no dejan de ser hipótesis
La pintura rupestre es el conjunto de dibujos y pinturas realizadas con pigmentos sobre superficies rocosas. Los grabados y la pintura rupestre son dos tipos de arte parietal(también llamado rupestre).
Las pinturas rupestres en mejor estado de conservación se han encontrado en el interior de cuevas, aunque eso no quiere decir que no se realizasen en otras superficies rocosas menos protegidas, pero más luminosas y accesibles, como barrancos, farallones, abrigos rocosos, etc.
Pintura rupestre en la prehistoria: Materiales y técnicas
Al analizar las características de las pictografías y los restos de utensilios prehistóricos en los yacimientos con pinturas rupestres se ha desvelado parte del procedimiento de trabajo de estos artistas primitivos.
Se empleaban por lo general uno o dos colores. El rojo es el color más frecuente junto con negro, ocre, amarillo y blanco en distintas gradaciones resultado de la mezcla de pigmentos.
Para la creación de pinturas se usaban pigmentos minerales molidos (óxidos de hierro y manganeso, hematita, limonita, arcilla, yeso…) y carbones vegetales.
El pigmento en polvo era aplicado directamente o aglutinado con otras sustanciales o fluidos orgánicos (grasa, resina…) para modificar la calidad de la pintura y aumentar su fijación y permanencia sobre el soporte.
Además de pintar con las manos, el hombre primitivo hacía uso de instrumentos como por ejemplo:
Pinceles de pelo animal para conseguir trazos finos o pintar grandes superficies.
Ramas quemadas y bolas de pigmento y resina para dibujar.
Cañas huecas con las que soplar la pintura a modo de aerógrafo.
Para dar la sensación de volumen en ocasiones se tenían en cuenta las irregularidades originales de la roca, los salientes y las hendiduras, en el diseño de la pintura. También se han encontrado pinturas cuyos contornos han sido grabados con un instrumento afilado sobre la piedra.
Ultimas Noticias:
El Museo Arqueológico Benahoarita de Los Llanos de Aridane alberga este lunes y martes las jornadas Los desafíos del en la gestión integral del arte rupestre: de México a Canarias. Este encuentro se enmarca en el proyecto Tussna, el saber de Benahoare, con el que la Consejería de Patrimonio Histórico del Cabildo de La Palma pretende acercar a la sociedad palmera al conocimiento del pasado prehispánico de La Palma, según se informa en nota de prensa.
Cuatro investigadoras mexicanas toman parte en esta cita, de la que el consejero de Cultura y Patrimonio Histórico, Primitivo Jerónimo, ha destacado “el sumo interés de su presencia en la Isla, ya que su experiencia en México puede ser de gran ayuda para diferentes proyectos de protección, conservación y puesta en uso de grabados y pinturas rupestres en los que estamos trabajando en La Palma”.
Hoy lunes 10 de octubre las jornadas comienzan con la ponencia El proyecto arqueológico de La Pintada a cargo de la arqueóloga del Instituto nacional de Antropología e Historia de Sonora (México), Blanca Eréndira Contreras.
La segunda charla corresponde a Sandra Guadalupe Cruz , restauradora en el área de Conservación Arqueológica de la Coordinación Nacional de Conservación del Patrimonio Cultural del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, que disertará sobre Oxtotitlán: lugar de cuevas. Una experiencia integral y de corresponsabilidad comunitaria en la conservación de pinturas rupestres en Guerrero.
Otra de las ponencias está dedicada al Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada: investigar, conservar y difundir el patrimonio arqueológico grancanario, que correrá a cargo de la doctora en Arqueología y directora conservadora del Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada de Gáldar, Carmen Gloria Rodríguez.
La última charla del lunes la imparte María Elisa Villalpando, doctora en Arqueología del Instituto Nacional de Antropología e Historia de Sonora (México), que hablará sobre Reapropiación de signos del pasado en el Noroeste de México. Los petrograbados de Cerro de Trincheras.
Este martes la primera cita tendrá lugar a las 17:00 horas, y la ponencia correrá a cargo de María de la Luz Gutiérrez, doctora en Arqueología y delegada del Instituto Nacional de Antropología e Historia de Baja California del Sur (México). Su charla lleva por título La Cueva Pintada (Sierra de San Francisco), en el contexto de los Grandes Murales de la parte central de la península de Baja California (México).
La última charla de este ciclo será impartida por Felipe Jorge Pais, doctor en Arqueología y jefe de Sección de Patrimonio Histórico y Arqueológico del Cabildo de La Palma, que disertará sobre Los grabados rupestres benahoaritas: un patrimonio cultural a proteger y difundir.
La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (del latín abstrahĕre: extraer, resumir lo más sustancial). El adjetivo abstracto califica lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto exterior de una realidad.
Es decir, algunos de los sinónimos de abstracto son: indefinido, general o conceptual. Y algunos de sus antónimos: definido, particular o figurativo.
Qué es arte abstracto
La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a varias disciplinas artísticas.
Características del arte abstracto
Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.
El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del referente a la vez modifica otras.
Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.
También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.
El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.
Origen del arte abstracto
La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. Hay una infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el origen del arte en la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y admirando artes visuales abstractas como la caligrafía. ¿Entonces por qué se considera un punto de inflexión la aparición de la pintura abstracta pura a principios del siglo XX?
Volviendo al arte occidental, desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad tangible domina artes visuales como la pintura o la escultura. No será hasta la llegada del Impresionismo que los pintores inviertan las prioridades en la representación y den una mayor importancia al procedimiento pictórico que los aleja de las apariencias externas de la realidad.
La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una obra independientemente de la realidad.
Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky quien expone las primeras ideas sobre el arte abstracto en “De lo espiritual en el arte”.
Varias teorías contemporáneas y posteriores han intentado explicar por qué surge la abstracción pura:
El deseo de alejamiento de la realidad por motivos tan diversos como que ella estaba dicho todo lo que había que decir sobre la representación de la realidad, como consecuencia del deseo de evasión de la crisis y el desorden social del momento o como manifestación de la perplejidad e impotencia del artista en contexto histórico dado.
El ansia de representación de lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con elementos más limitados y constantes que los que se pueden encontrar en la realidad, la creencia de que el arte no se podrá identificar con otra realidad que no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a través de un lenguaje visual universal.
El concepto de abstracto deriva del término latino abstractus y hace referencia a cierta cualidad donde se excluye al sujeto. Cuando la palabra se aplica al ámbito artístico o a un artista, describe a la intención de no representar seres u objetos concretos; en cambio, se contemplan sólo elementos de forma, color, estructura o proporción, por ejemplo.
El arte abstracto es, entonces, un estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y poder expresivo. El artista abstracto no imita modelos ni trabaja de acuerdo a inspiración de tipo natural.
Su origen se remonta aproximadamente a 1910, como una reacción al realismo y a la aparición de la fotografía
. De esta forma, el arte abstracto no considera que se justifique la representación figurativa y, por lo tanto, la reemplaza por un lenguaje visual autónomo que cuenta con sus propios significados.
En la pintura el estilo abstracto se aleja completamente de las estructuras planteadas por el realismo donde toda obra era una representación de algo específico (paisajes, casas, flores, seres vivos) y, utilizando un lenguaje que no tiene forma ni códigos específicos y donde la libertad se ve reflejada sobre todo en el uso del cromatismo, representa entidades que no tienen su modelo en la realidad.
Existen tantos universos abstractos como pintores se hayan volcado por este tipo de representación artística.
El comienzo de la pintura abstracta se lo debemos a Wasily Kandinsky, un artista ruso de principios del siglo pasado quien aseguraba que en pintura una mancha redonda de colores podía representar a un cuerpo humano pues el arte es consecuencia ya no de lo que vemos sino de cómo lo vemos. La linea, el plano y el espacio no significan nada, hasta que adquieren un determinado significado a partir de una descarga de energía que se produce dentro de la mente del artista.
Si observamos la escultura abstracta encontraremos que a lo largo del siglo XX y éste han surgido muchos artistas plásticos que se inclinaron a desarrollar un estilo abstracto. Entre ellos podemos mencionar a Hans (Jean) Arp quien era además pintor y llevaba sus nociones abstractas de la pintura a las tres dimensiones realizando formas orgánicas que reflejaban su visión de la realidad, como el resultado de un cuerpo orgánico. Fue quien desarrolló una iconografía que recibió el nombre de escultura biomórfica a la que se entregaron y continúan haciéndolo muchos artistas plásticos de lo abstracto.
Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial surgió un movimiento artístico que en poco tiempo tuvo un gran número de adeptos, el expresionismo abstracto. Sus bases se encontraban en el surrealismo (movimiento de auge en la preguerra) y se basó en la combinación de diferentes técnicas en una misma obra. Un importante estilo que se vuelve muy popular en este movimiento es el collage, que utiliza mezclas de diferentes materiales o elementos, como yeso y arena, para darle a una tela plana una cierta rugosidad tridimensional característica de la escultura. Entre los fundamentales protagonistas de el expresionismo abstracto se encontraron Jackson Pollock y Willem de Kooning.
Uno de los representantes fundamentales del expresionismo abstracto español es José Manuel Ciria quien ha realizado exposiciones en importantes centros como el Instituto Cervantes de Chicago, el Instituto Valenciano de Arte Moderno,y en galerías de París, Estados Unidos, Inglaterra, Argentina y Portugal.
Lo abstracto en gramática, matemáticas y filosofía
¿En el ámbito de la gramática existe el término de sustantivo abstracto. Para comprender este concepto es necesario aclarar previamente el de sustantivo.
Un sustantivo es uno de los elementos fundamentales en una oración, el cual no necesita de la aparición de otro para tener sentido y existir dentro de la misma (casa, niño, perros, Elena). No ocurre lo mismo con los adjetivos que siempre van unidos a un sustantivo al que modifican de una u otra forma (linda, simpático, juguetones, rubia). Los sustantivos pueden dividirse en varios tipos, algunos de ellos opuestos entre sí. Así ocurre con la clasificación de sustantivos concretos y abstractos.
Un sustantivo es abstracto cuando se utiliza para mencionar a un objeto que sólo se puede apreciar o creer valiéndose de la inteligencia, a diferencia de los sustantivos que forman parte del grupo de los concretos, donde aparecen objetos que sí se perciben gracias a los sentidos.
Según el filósofo José Ortega y Gasset podemos entender por sustantivo abstracto a aquella palabra que nombra un objeto que no es independiente, o sea, que siempre necesita otro elemento en el que apoyarse para poder ser. Esto significa que dichos sustantivos, al no referirse a un elemento concreto, hacen referencia a objetos que no se pueden percibir con los sentidos, sino imaginarse.
Algunos ejemplos de sustantivos abstractos son el amor y la felicidad; también lo son ciertos conceptos políticos como poder, dictadura y democracia y lo son también las estaciones del año, la ciencia y la religión.
Por otro lado, un verbo es abstracto cuando se encuentra constituido por “ser”, un verbo copulativo al que se le otorga la función de atributo y carece de un significado específico. En el enunciado “Yo soy un ser humano”, “soy” se destaca con un verbo de tipo abstracto.
En el campo de las matemáticas existe el concepto de álgebra abstracta que reúne el sector de las matemáticas que trabaja con los esquemas algebraicos (anillo, grupo, cuerpo o espacio vectorial). Este estudio surgió de la necesidad de obtener una mayor exactitud en las definiciones matemáticas.
Cabe mencionar también dentro de esta definición la noción de pensamiento abstracto, la cual hace referencia a los mundos interiores creados por el ser humano para comprender la existencia. Consiste en la forma en la que el ser humano agrupó las ideas, conceptos, imágenes y objetos que le permiten contener los conocimientos.
