¿Que es el Arte Contemporáneo?

Se llama arte contemporáneo a aquellas expresiones artísticas originadas durante el decurso del siglo XX. Si bien el criterio de contemporaneidad es de uso dispar, las producciones del arte durante el siglo pasado tienen una serie de rasgos comunes que entran en franco contraste con aquellos provenientes de épocas precedentes. Así, es posible referirse al arte del siglo XX como a un bloque, soslayando las siempre presentes diferencias que existen en este. Las principales características que pueden señalarse con respecto al arte producido en ese siglo son aquellas que hacen a una innovación en las normas a seguir, como así también el uso de patrones antiguos que están utilizados con una significación distinta a la original.





Cabe antes que nada dar un breve repaso de algunas concepciones vigentes al momento de finalizar el siglo XIX. Hasta ese momento, pese a las enormes diferencias que se habían gestado en lo que respecta a definir el valor y los alcances del arte, siempre prevaleció una intención de lograr belleza a través de este. En este sentido, pude decirse que siempre subyació un elemento platónico en la mentalidad artística anterior al siglo XX, aspecto al que pudo haber contribuido el cristianismo.

Arte Contemporáneo: Antes y Después

Debemos aclarar, sin embargo, que estas corrientes surgidas en el siglo XX fueron el resultado de las tendencias arrastradas desde el siglo XIX. De hecho, se consideran como puntos de partida a estos nuevos tipos de expresión, el Impresionismo y el Postimpresionismo. Desde los cuales surgieron las vanguardias más destacadas del siglo siguiente: el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo, el cubismo, el constructivismo, el surrealismo y el neoplasticismo.

En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen elementos comunes en cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al arte un espacio diferente al que había tenido hasta entonces. No obstante, se diferencia en los fines estéticos que cada tendencia perseguía.

El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y buscar una forma de expresión que rompiera con todo lo planteado hasta el momento, ya no se dedican a imitar a los grandes referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a interpretar partiendo desde un espacio virgen donde el color y la forma adquirieron cualidades potentes.

Lo que podemos decir es que aunque es importante señalar que las cosas no fueron tan así porque no se puede crear algo absolutamente desligado de lo conocido: construimos en base a lo que ya conocemos, corregimos, rehacemos, siempre desde lo conocido.

Estas corrientes estéticas surgieron antes de la Segunda Guerra Mundial y, después de ella, hubo un nuevo resurgimiento del arte contemporáneo, encabezado por nuevas corrientes entre las que cabe destacar el coleccionista, gracias al cual el arte se convierte en una obra para la especulación. También se ubica en esta época el Expresionismo Abstracto que cerraría con las corrientes ligadas al Modernismo. A mediados de siglo hay un nuevo cambio en la sociedad que se verá reflejado en una nueva forma de crear, la Posmodernidad.

La perspectiva que utilizaremos para estudiar a las artes, debe trascender mitos y estereotipos que no permiten desarrollar aprendizajes y limitan su apreciación Es importante hacer notar que las artes coexisten con otras manifestaciones estéticas que inciden en la sensibilidad, y que interactúan con ellas.

Las artes entablan un diálogo constante con otras disciplinas, ciencias, tecnologías y productos de la cultura estética, como las artesanías y los llamados diseños. En cada período histórico las artes han cumplido determinadas funciones sociales al generar conocimientos sobre el hombre, su sociedad, sensibilidad y apreciación, así como el modo de producción y distribución de los productos artísticos relacionándose con factores económicos, políticos, sociales e ideológicos.

Es importante comprender a las artes, más que como productos acabados en sus significados, como procesos en constante cambio que permiten renovarlos valores de la cultura estética y desarrollar la sensibilidad de los individuos a través de experiencias significativas.

Vivimos en un mundo al revés: los artistas que tienen más preparación reciben menos recursos, menos remuneración, menos exposición y menos visibilidad que aquellos improvisados manejados a través de herramientas de publicidad.

Sin duda, esto es posible porque privan más las estructuras de mercado que la calidad. Y la sociedad es responsable en una buena medida: nos hemos hecho cómplices de la mediocridad.

En este siglo, el artista real tiene sobre sus hombros la responsabilidad de llenar de cultura a un mundo apático y superficial. A quienes creemos en la esencia del arte, no nos queda más que celebrar la inteligencia y escabullirnos por parajes que nos alejen de la incertidumbre.

Hermann Hesse escribió que "para que pueda surgir lo posible, es preciso intentar una y otra vez lo imposible". Pues bien: el camino está lleno de obstáculos, pero hay que hacer posible lo imposible.

CAPITULO: I

TEMA:

Historia del arte contemporáneo del siglo XXI

HISTORIA DEL ARTE:

La historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del arte a través del tiempo. Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. La historia del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o mecánicas), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano. La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.

La historia del arte es una ciencia multidisciplinario, procurando un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del arte occidental.

ARTE ACTUAL:

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.

Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales monumentos del planeta.

Arte Actual es un análisis de la Historia del Arte reciente en el seno del mundo occidental, orientado principalmente al alumnado universitario que cursa asignaturas relacionadas con esta etapa, si bien, su claridad y rigor lo hacen igualmente recomendable para cualquier persona interesada en este tema. Abordar el estudio del Arte Actual entraña una serie de problemas propios de períodos tan cercanos: la falta de visiones globales, la insuficiente perspectiva histórica, la dispersión documental, etc. son circunstancias que dificultan la labor del historiador y que se han intentado resolver lo mejor posible.

Esta obra se adentra en aquellos movimientos plásticos y arquitectónicos que constituyen nuestro pasado artístico reciente y cuyos actores siguen, en buena medida, plenamente activos en la actualidad, e incide en las líneas fundamentales que presiden este periodo.

Es por esto, que se centra básicamente en los creadores, principales representantes y focos originarios de cada corriente, ofreciendo al lector un análisis detallado sobre el Arte de Acción, el Arte Ecológico, el Arte Conceptual, el uso artístico del ordenador y el vídeo, el complejo contexto de laPostmodernidad, las últimas opciones escultóricas y las principales corrientes arquitectónicas, que van del Neorracionalismo a la Eco-tech.

El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había convertido esta función artística, hasta entonces esencial, en algo accesorio, cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción.

La Revolución Industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente.

En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental.

¿QUE ES EL ARTE?

El arte proviene del latín ars, artis, y este del griego t???? téchne es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

En primer lugar es justo reconocer que la Biblia es en sí misma una maravillosa obra de arte. Encontramos en ella, abundantes metáforas, hermosa poseía (por ejemplo en los libros de los Salmos y en el Cantar de los cantares) y las parábolas con las que nuestro Señor nos dejó maravillosas enseñanzas. En el Antiguo Testamento, encontramos numerosas referencias al papel que el arte desempeñaba en aquellos días. Por ejemplo si leemos el capítulo 25 del libro de Éxodo veremos cómo el mismo Dios diseño la arquitectura del templo: labrado de metales, vestimentas, tapicería etc. También vemos en el capítulo 31,1-11 como las artes plásticas desempeñaron un papel importantísimo en la construcción del tabernáculo.

El templo fue adornado con las mejores esculturas y grabados (2 Cron 3,5-7; 4,1-7 ;1 Reyes 6, 15-36 ;7,23-29) , entre otras citas bastan para atestiguarlo .También la música y la danza se señalan con mucha frecuencia en la Biblia.

El salmo 150,4 dice "Alábenlo con tambores y danzas". Lo mismo dice el Salmo 149,3 . Con cantos y danzas fue recibido David, tras vencer a Goliat (1 Sam 18,6 ) y el mismo David danzo ante el Señor cuando el arca de la Alianza regreso a Jerusalén (2 Sam 6, 14-15). Sabemos además que el canto era muy importante en la cultura hebrea y que el libro de los Salmos era "el cancionero" del pueblo judío. Las trompeteas se mencionan para anunciar fiestas, convocar a reuniones y durante la adoración (Lev.23,24 ; Num 10.1-10 ; Josué 6,20 entre otras citas)

También se mencionan muchísimas veces los instrumentos de percusión, el arpa, la flauta, la citara etc.

Y obviamente, también los artistas están mencionados numerosas veces en la Biblia. Por ejemplo Besalel y Oholiab artesanos de gran talento (Ex. 35,30-35). Vemos también en 1 Cron 25,7 que el grupo de adoración que servía en el templo durante el reinado de David estaba compuesto por... doscientos ochenta y ocho cantantes!!! ( Quisiera haber presenciado esos ensayos! ).

En el libro del Apocalipsis (Ap,18, 22 ) , vemos que se le advierte a Babilonia que la música y la vida que esta trae "no se oirán más en ti".

También sabemos que David fue un gran autor y compositor de canciones ( 1 Sam 16, 18 ). Vemos en 1 Cron, 15,16-18 a un grupo de cantantes y músicos que animaban a la Asamblea con distintos instrumentos y "alzando la voz con júbilo" (¿los admitiríamos hoy animando nuestras Misas?)

En el nuevo Testamento, también el arte está presente. En primer lugar en el mismo Jesús quien era un carpintero, artesano. Pero además y fundamentalmente, en sus enseñanzas, que revelan su sensibilidad ante la belleza que lo rodeaba: los lirios del campo, la paloma, los cielos, la vid, fueron utilizados por el maestro numerosas veces para que las verdades que él quería comunicar fueran mejor entendidas. Además ( y como si esto fuera poco! ) era un maravilloso contador de historias. Sabía utilizar el lenguaje popular y el contexto cultural para transmitir su mensaje.

Es que el arte puede cambiar nuestra vida, y allí radica su importancia. En 2 Reyes 3,15 vemos como un músico ungido fue usado por Dios para que Eliseo recibiera una profecía. Del mismo modo una canción ungida, una obra de teatro inspirada por Dios, toda obra de arte puede transformar un momento más de nuestra vida en un momento sublime de encuentro con Dios ni más ni menos.